“Transcender al puro acto de mirar es el objetivo. Llevar al espectador a un estado de extrema atención donde la identificación de lo que se presenta provoque sentimientos y reflexiones, no pocas incertidumbres y algún asidero. Hay medios que resultan familiares, pero se disponen de manera diferente. La composición tiene un tono de solemnidad que es infundida por la cualidad escénica del conjunto.

Es y no es una instalación. La artista aúna distintas referencias y las relaciona, creando un vínculo espacial entre ellas. Hay elementos que vienen de la naturaleza y también piezas cuya procedencia está en el mundo del vestuario o del mobiliario. En cualquier caso, son obras urdidas en el secreto del taller, trabajadas manualmente, largamente procesadas y sentidas, alentadas por el temblor del recuerdo, vivenciadas por el suspiro vital de la cotidianeidad o vinculadas a la asunción de determinados referentes artísticos.

Con tono trascendente y espíritu abierto, ausculta el poso de la relación entre hombres y mujeres. Sentimientos descarnados, encuentros y desencuentros, dualidades receptivas y perversiones, todo es uno: amor y odio, vida y muerte. Una invitación a cuestionar las cárceles personales. El íntimo sometimiento al otro y la intimidación que la violencia de los malos tratos y las vejaciones propicia. Algo más que causa o/y efecto. La transposición entre víctima y verdugo.

El montaje tiene el sentido del orden y la exquisitez que, por ejemplo, se manifiesta en las obras de Barbara Bloom, primera creadora en ganar un gran premio, como el de la Bienal de Venecia de 1988, con una instalación cuyas partes configuran un todo con el diseño espacial.

Carmen Palomero ofrece el reino de la ambigüedad, el misterio y la paradoja al llevarnos del metalenguaje a la vida, del arte a la naturaleza, del yo al ello y de la alteridad a lo colectivo. Asunción de contrarios que habita en la interconexión entre presentación y representación de unas piezas, cada una de las cuales aporta sentido y proporciona otro ángulo, la añadidura de una mirada que enfoca a la totalidad de modo diferente. Piezas entrelazadas que tienen sentido propio y también una articulación que las carga de connotaciones. Al mismo tiempo que enriquecen, convierten la mirada en una pesquisa atenta, próxima a lo que no siempre se sabe o de lo que se tiene algunos tópicos como premisa.

Sus antecedentes son artistas tan renombrados como Marcel Duchamp, Robret Ráuschenberg, Joseph Beuys y Jorge Oteiza quienes aportan unas referencias que abren el imaginario y propician la conciencia conceptual de su punto de partida. En el creador del ready made encuentra no sólo la temática y la problemática conceptual del Grand Verre sino también en la idea del aura de los elementos mas comunes cuando se sitúan los espacios del arte. Del norteamericano, le interesa la integración empática de las cosas más diversas hasta propiciar un escaparate de vivencias, tanto personales y secretas, como las propias de los elementos que van sumiéndose como objetos artísticos. Del alemán adopta el poso religador, el mensaje de la unificación del ser en un todo, la creatividad como moneda de cambio a utilizar en los más diversos trances. La actitud del arte para la vida del autor vasco también se proyecta en su trabajo, de hecho uno de sus poemas está en la base del texto que puede oírse en el espacio. Un escrito que trascribe el sentido dual de la experiencia. La artista actúa con un especial proceso de conocimiento introspectivo. Hablando de lo cercano y personal, se acerca a las situaciones de los demás.

Un mundo atractivo y sensible que se manifiesta en capas como los sustratos que se acumulan sobre la corteza terrestre. Una primera fácil accesibilidad que denota elegancia y acerca a un universo cargado de sugerencias. Después viene la rumia del instinto, el poso del conocimiento, el repaso de las vivencias y las conexiones con el arte. La cosmovisión de la inquietud siempre abierta y dispuesta a penetrar en el interior de las cosas para poder procesar las vueltas y revueltas del misterio de la vida. Un trascender que se escenifica. La inquietud de lo que sucede en las relaciones humanas. Estos son algunos de los asuntos que le interesan a la artista.

Anteriores exposiciones ya experimentaban con el lugar y la posición del espectador respecto a la obra. También, la memoria y la conciencia de la experiencia en el conflicto entre los seres humanos. Los títulos de sus individuales son siempre muy indicativos de las intenciones y los puntos de partida. Hay un hilo conductor cuyo sentido descubre los porqués de su trabajo actual. Su primera muestra se denominó “Buscando una identidad”, el intento de encontrarse y por encontrar sentido a la mismidad, una especie de viaje a la partida de la infancia. “Diálogo entre los sentimientos y la razón” su siguiente propuesta, plantea la relación entre las pulsiones y reflexiones. “Tiempo, memoria, identidad…”, prolonga las anteriores preocupaciones zambulléndose una vez más en el pasado y enfrentándose a la dualidad arte/vida. Una serie de acercamiento a este espíritu cuyo desafío se prolonga en experiencias como: “Signos de identidad”, “Relaciones. Diálogos con Ráuschenberg”. La siempre vivencia de la naturaleza se activa en presentaciones como “Naturaleza y abstracción”, “Sobre la naturaleza”, “Entre territorios-trampas y espacios vividos”. Las relaciones con los otros surgen en “la metafísica del amor”, “Sombras vestidas de luna” pone el acento en el punto de vista de la mujer. “La espada de Damocles” sitúa el conflicto, mientras que “Filamentos del deseo” propone la sutil densidad de los encuentros.

“Harremanak – Sólo un poema de Amor”, la presentación de Burgos, es una instalación medida y controlada, los objetos y su atrezo, la luz y el suelo, su disposición en el lugar. Todo es negro, la pintura de las paredes y el techo, el color de la moqueta y las cortinas. Hay tres telas, tres cojines, tres elementos dispuestos en el interior de tres peanas-cajas. Una repetición que evoca la trialéctica de Rudolf Steiner que emplea Joseph Beuys y que evidencia nociones como sensibilidad, voluntad y pensamiento.

El conjunto está presidido por el dominante Insecto-Novia, cuyo tamaño protagoniza el espacio central. Obra que alude a la socialización de la boda y también al juego de cortejo que preside los intercambios sexuales en la naturaleza. Un enorme vestido compuesto por varias capas que muestran sugerentes frunces, ordenados pliegues y vaporosas transparencias. Una seducción que es como un gran condensador de luz blanca que avanza y cruza el lugar. A su alrededor, las connotaciones de una especie de ying y yang aluden a la fuerza del deseo y al dolor mediante cerámicas vidriadas de color rojo y lágrimas negras. Un rito de paso en algunos de los acontecimientos de la vida donde cabe todo, el bien, el mal. Lo positivo y lo negativo, la presencia y la ausencia.

Muy cerca está el lecho, cuyos tres cojines provocan la ambivalencia de sus estampaciones. La fragancia sedosa de los pétalos de rosa y las punzantes zarzas que se entrelazan suavemente. Al desaparecer en el tórculo las materias primas usadas como matrices, el proceso evoca los principios de creación y destrucción.

Cuando el espectador se acerca a la cama, un sensor activa el sistema para escuchar la música de La Consagración de la Primavera de Stravinsky, y estrofas de un poema inspirado en Oteiza. Los espejos permiten penetrar en el lugar y ver otros puntos de vista donde se implica al propio visitante. Un juego de distancias y de alusiones, La posibilidad de ser incluido.

En una de las paredes se dispone “El bosque de los amantes o corazón petrificado”. Se refiere a la vía láctea de los disparos sexuales y también a la relación entre naturaleza vegetal y humana. Para ello plantea una composición de piezas de loza. Cien están sobre la pared y frente al espejo formando unos arcos circulares, mientras que otras siete se sitúan en el suelo y tienen la vida y una luz interior. Todavía hay algo de libertad de elección en el sueño de la vida.

Finalmente “Lugares de encuentro” está constituida por tres piezas cuyo nexo de conexión es el sauco. Tiene el carácter de fetiches recordatorios. ”Arpa para mil dedos” propone la revisión de los deseos, una semilla y madera con la energía conductora del cobre. “Abrazo infinito” prolonga el sentimiento y lo absolutiza mediante la materia y el pan de oro. “El nido vacío” evoca el lecho, el vuelo y la iluminación de la superación. Sensaciones y reflejos que necesitan que el acto creativo debe extenderse a quien se acerca y lo mira. Es como un ritual metafísico. Hay complacencia sensorial y ofrece el misterio sacrificial de lo enigmático.

Texto para el catálogo de la exposición de Xavier Sáenz de Gorbea. 2009